photo personnelle

Born in Deauville, France, 1924. 1940-45 began painting in 1940, self-taught. Isolated by the second world war, maintained a correspondence with Vlaminck. Figurative painting, self portraits, landscapes influenced by the sea, music and poetry. 1945-50: Frequent visitsto museums in Paris, discovered pioneers of abstract art : Kandinsky, Mondrian, Malevitch. 1950-59 : Painting and collages, adopted flat-tint color, sharp and jarring harmony of colors, hommages to Bela Bartok, Xenakis, Webern
… 1955 encountered and gained lasting friendship with Mortensen and Dewasne 1961 joined the group of the Denise René Gallery in Paris. He came and lived in Paris in 1964 and worked there until his death in 1994.Compositions more and more structured, 1965-79 period of synthesis . took part of ‘salons’ during 30 years, even as a leader in his group. Museums all overthe world show and own paintings, gouaches (tempera), oil painting and acryl of him, even 5 tapestries made in the famous Aubusson place and many other techniques: 50 years of wonderful discovery of a new vocabulary and expression of painting. To this huge life of art work, are added here some of his architecture designs and creations, his former job as he began painting.

Nato il 24 Luglio 1924 a Deauville, Francia. Autodidatta, inzia a dipingere nel 1940, dall’isolamento provocato dalla guerra inizia una corrispondenza col grande pittore ‘fauve’ Vlaminck. Pittura figurativa all’inizio: autoritratti, paesaggi, è molto influenzato dalla musica e dalla letteratura, dopo la guerra soggiorna frequentemente a Parigi scoprendo i pioneri dell’arte astratta: Kandinsky,Mondrian, Malevitch. Pittura astratta, ‘véhémente’ e molto colorata. Abbandono definitivo di tutte le reminiscenze figurative, adotta il colore trattato a tinte piatte (‘aplats’), armonie dissonanti, ‘acide’,dipinge ‘Omaggio a Bela Bartok, Xenakis’’. Nel 1955 incontra e stringe un’amicizia che durerà tutta la vita con Dewasne e Mortensen (famoso pittore danese), 1959-1965 periodo molto rigorosocon una pitturastrutturale, 1965/1976, periodo di sintesi, senza rinunciare al rigore nella composizione, costruisce attraverso il colore un’organizzazione ragionata e sensitiva del quadro, il colore e la luminosità diventano il motivo dominante del quadro e il veicolo dell’emozione, dell’irrazionale, dei sentimenti segreti, nascosti dell’anima. Nel 1961, raggiunge per quasi 40 anni il gruppo famoso (Vasarely, Mortensen ..) della galleria Denise René (Parigi NY ..), viene vivere a Parigi nel ‘64, dove è morto nel 1994 per tutta la sua vita, avendo il suo atelier. Ha partecipato durante più di 30 anni ai ‘Salons’ d’arte a Parigi. Oltre centinaie di mostre sia personali che collettive nel mondo, ha realizzato opere di architettura e di decorazione. 1978 Bergamo Fabbrica FIAT: ‘Polychromies extérieures’, ceramiche Buchtal. Ha molte opere: nonsolo quadri e tele’in acrilico; olio, gouache (tempera) , serigrafie ma anche arazzi (5 fatti ad Aubussson famosissima città dell’arazzo) ecc nei musei d’arte moderna, fondazioni, collezioni private del mondo.

Født den 24. juli 1924 i Deauville (Frankrig), Autodidakt. Begynder at male 1940, 1947 : Første abstrakte malerier, 1950-1952 : Stǽkt transponeret figurativt maleri, 1953 : Tilbagevenden til det abstrakte maleri med udgangspunkter i collager. Arkitektoniske arbejder. Forskellige murale arbejder og teaterdekorationer …Udstillet pǻ Salons Paris: Indépendants, Comparaisons Grands et Jeunes d’Aujourd’hui… adskillige malerier in talrig museer.

モリソン氏は1924年にフランスに生まれた。 1940 年から、彼は出生地であるドーヴィルの海の風景にインスピレーションを得て具象的なキャンバスを描きましたが、カンディンスキーモンドリアンなどを発見した後、すぐに抽象芸術に方向転換しました。彼はフォーヴ派の画家ヴラマンクと文通し、1962年にパリのデニス・ルネ・ギャラリーの有名なグループに加わりました。彼は幾何学的なアクリルの平面領域を使用して繊細な風景を描き、彼の目の中で色が絵の主題でした。彼は世界中で個展や集団展を開催しており、彼の作品の多くは世界最大の現代美術館にも展示されています。 1981年に友人で画家の佐藤さとるとともに東京のモリスギャラリーで個展を開催した。彼はパリで生涯を過ごした後、1994年にパリで亡くなった。

Philippe Morisson dans son atelier
copyright Didier Perthuison

La nécessité intérieure

« J’ai fait mon apprentissage de peintre absolument tout seul. J’ai découvert la peinture avec des livres, de courts voyages à Paris. Il faut dire qu’au début de ma vie, j’étais un homme explosif, je suis toujours un homme explosif, ce qui fait que j’ai commencé par une peinture bien sûr figurative (1), comme tous les peintres, et puis c’est devenu tout de suite vers seize ans, dix-sept ans, une peinture abstraite mais pas du tout géométrique, le contraire de ce je peux faire maintenant. Petit à petit, j’avais 20, 21 ans, Paris s’est ouvert après la Libération à des tas de connaissances nouvelles. On a découvert Klee et plus tard Mondrian. J’avais découvert pendant la guerre Van Gogh et Gauguin que j’admirais passionnément, que j’admire toujours beaucoup évidemment. Quand j’ai connu Kandinsky, j’ai appris un mot de lui qui a été très important pour moi : “la nécessité intérieure”. Ce qui fait que ma démarche picturale s’est apparemment assagie ; mais je crois qu’elle a gardé en elle les stigmates, les traces de cette violence intérieure qui pour moi est une nécessité. Ma peinture peut paraitre très sereine, mais ceux qui la connaissent bien et l’analysent savent parfaitement que, même si au premier abord ce n’est pas visible, la violence est contenue à l’intérieur, comme point de départ. C’est pourquoi la phrase de Kandinsky a pour moi autant de sens. La peinture n’est pas un jeu de lignes, un graphisme coloré avec plus ou moins de bonheur, comme certains pourraient le croire, ou le faire, c’est un contrôle.

(1) Cinquante ans de collages de Picasso à nos jours: Carmelo Arden-Quin

 Un paysagiste du XXe siècle

Comme le dit Baudelaire, « Délirer et organiser ensuite le délire » est valable pour les artistes de tous les temps : j’organise, je coupe, j’assemble, je compose. Le métier de peintre est en fait un métier de compositeur. J’essaie d’aller le plus loin possible non pas dans la castration des formes mais en gardant – c’est très précieux, j’insiste là-dessus – cette violence intérieure ou cet enthousiasme intérieur qui doit rester en filigrane de la peinture. Je ne crois pas à la peinture qui n’émeut pas, à la musique qui n’émeut pas, car la musique m’est fondamentale. Ma peinture peut paraitre sereine, très géométrisée, mais en réalité, il y a une foule de richesses discernables à l’intérieur quand on la ressent dans le sens de l’émotion. Il y a quarante-cinq ans de peinture, une évolution très longue. Au début, ma peinture a été impulsive, ensuite très géométrique, car j’appartenais à un groupe extrêmement vivant que je respectais beaucoup, celui de la galerie Denise René. La seconde partie de ma vie, au lieu de suivre une évolution de plus en plus géométrique, signe le retour à mes sources antérieures, celles du paysagiste que je suis : un paysagiste du XXe siècle, car mes tableaux, derrière cette apparence géométrique, sont des tableaux intérieurs (…) Les paysagistes sont influencés par la couleur. Le fait que je change régulièrement de gammes de couleurs prouve que je peins des paysages (…) Dans cette période de ma vie, je peins beaucoup, je suis dans mon jardin. Je fais ma peinture, plus ou moins bonne selon le temps, mais je suis libre.
C’est un immense bonheur. Chaque matin, j’ai envie de faire vingt toiles. Mes tableaux sont marqués par ce désir d’espace, les ciels, la mer. (…) Je rêve d’aller en Afrique, au désert. Chaque jour je pense à la mer où je suis né ».

philippe morisson, 1979